O tema do consumo consciente acaba aparecendo aqui com frequência porque eu acredito seriamente que um dos principais papeis de um consultor de imagem e estilo é ensinar seus clientes a comprar melhor, fazendo escolhas mais conscientes para que todas as peças de roupa sejam aproveitadas ao máximo. Há uns 3 anos, eu fiz um post com algumas dicas para fazer compras inteligentes, e hoje quero tocar nesse tema mais uma vez, atualizando nosso papo sobre como otimizar nossas compras.
É fato que tomar decisões sob pressão é algo dificílimo. Estudos provam que, sob pressão, os seres humanos tendem a ignorar informações cruciais, concentrando em detalhes irrelevantes, e exagerando a importância de certas coisas para tomar uma decisão rápida. Sair às compras é uma situação que pode se encaixar nesse quadro, principalmente quando não se tem domínio sobre as principais perguntas que devemos nos fazer no provador ou nas compras online.
Me parece que, de repente, a frase “caro é aquilo que você não usa” passou a ser repetida por muita gente. E, de fato, tudo o que a gente tem e a gente não usa é, realmente, muito caro – já conversamos um pouco sobre isso naquele post sobre custo x uso. Seguindo essa lógica, o ideal é usar muito tudo o que temos. Nesse sentido, a consultoria de imagem e estilo tem papel fundamental, porque um personal stylist pretende mesmo fazer com que todas as suas peças sejam aproveitadas ao máximo.
minha bolsa Speedy 30 da LV é um bom exemplo de peça que tem um custo x uso baixíssimo na minha vida: já faz mais de 11 anos que eu a comprei e ela continua firme e forte nos meus #looksdodia porque tem bastante qualidade, continua combinando com o meu armário, e até hoje reflete quem eu sou.
É por tudo isso que eu decidi reunir neste post as 5 principais questões que você deve se perguntar quando estiver comprando algo novo, e que podem ajudar a tomar decisões mais acertadas quanto ao que entrará no seu armário, aumentando as chances de garantir uma permanência mais duradoura da peça em questão na sua vida.
1- Estilo: a peça reflete quem você é?
2- Função: a peça se encaixa na estrutura do seu armário?
3- Qualidade: a peça é boa tanto do ponto de vista subjetivo (caimento e conforto) quanto do ponto de vista objetivo (estrutura, tecido e durabilidade)?
4- Orçamento: essa é a melhor maneira de gastar o seu dinheiro agora?
5- Intuição: você realmente amou a peça em questão, ou é apenas entusiasmo com a possibilidade de usar algo novo?
Ao seguir esse processo, fica mais fácil usar a moda como expressão, usando os princípios da consultoria de imagem e estilo para vestir-se com intenção. Quando a gente se veste de dentro pra fora, nós nos conectamos com o que estamos vivendo, com o nosso lifestyle, e temos mais chances de transmitir com segurança as mensagens que queremos.
Deu no New York Times: depois de uma década, as calças skinny estão perdendo seu posto como absolutas favoritas entre os consumidores.
A matéria do NYT destaca que o obituário do jeans skinny já foi escrito várias vezes ao longo dos anos desde a sua ascensão há mais de uma década e, mesmo assim, a peça de roupa continuou super popular – não só nas lavagens mais clássicas, mas também em novas cores e cortes, e com diferentes porcentagens de stretch, sendo reinventada a cada estação.
No entanto, atualmente, os sussurros de que seu reinado esteja chegando ao fim pode ter um peso real já que os consumidores tem buscado cada vez mais calças jeans de cintura alta e modelagem mais solta. De acordo com a reportagem do NYT, os executivos da Levi Strauss & Co. confirmaram que as tendências de vendas confirmaram que modelagens mais soltas – até mesmo bem amplas, no estilo baggy – de calças jeans femininas e masculinas tiveram um boom nas vendas, e podem se tornar uma marca do mundo pós-pandêmico.
Chip Bergh, executivo-chefe da Levi’s, declarou, em entrevista, que o último ciclo do jeans durou mais de 10 anos e, embora possa ser cedo para dizer que chegou ao fim o ciclo das calças skinny, é possível ver uma demanda crescente dos modelos mais largos – não só na Levi’s mas também entre outros fabricantes de jeans. De acordo com Bergh, se essa tendência se sustentar por mais uma ou duas estações, é bastante possível que estejamos em um novo ciclo do jeans.
O principal estilo mais amplo buscado pelos consumidores é popularmente conhecido como “mom jeans“. Embora já estivesse à venda há alguns anos (eu mesma lembro que comprei meu primeiro mom jeans em 2017), foi neste último ano que o modelo passou a ganhar maior visibilidade em fashionistas das redes sociais e personagens jovens dos programas disponíveis em serviços de streaming. O look costuma ser formado pela calça mom com blusas mais ajustadas – segundo Bergh, esse parece ser o look favorito da Geração Z e dos jovens millennials.
A reportagem do NYT ressalta que o tipo de jeans vestido pelos norte-americanos – seja ele calça boca de sino, flares ou skinny – costuma ser associado à eras específicas, e as lojas/fabricantes estão ansiosos pra ver o quão forte será a tendência dos jeans mais soltinhos nos tempos pós-pandemia. É claro que, para o setor de venda de roupas, depois de um ano de quedas vertiginosas nas vendas, a perspectiva de um novo estilo de jeans ser popularizado é animadora, já que este setor busca aumentar suas vendas e deixar os consumidores animados com (a compra de) roupas outra vez.
No Brasil, jeans é coisa séria. Uma reportagem de 2016 da revista Superinteressante mostra que o jeans representa cerca de 68% de todo o vestuário fabricado no país. Estima-se que 100 milhões de peças jeans sejam vendidas anualmente, fazendo do Brasil o 2º maior mercado de jeans do mundo, atrás apenas dos EUA. Todo ano, cerca de 40 modelos de jeans chegam às lojas todo ano, e 5 deles costumam virar tendência.
Na década de 1960, a marca Lee virou sinônimo de jeans no Brasil – do mesmo jeito que, até hoje, temos o costume de chamar lâminas de raspagem pelo nome da marca Gillette, naquela época as pessoas se referiam às calças jeans como “calça Lee”. No começo dos anos 1970, em meio à ditadura militar, vive-se o “milagre econômico”, concomitante a uma acelerada transformação no comportamento dos jovens. De olho no mercado brasileiro, em 1974, a Levi’s adaptou o corte dos seus jeans aos gostos nacionais: calças justas na frente para os homens, e atrás para as mulheres. No mesmo ano, a Ellus introduziu a moda dos jeans stone washed. Depois, vieram as grifes – é curioso pensar que em nenhum país do mundo há tantas marcas famosas assinando peças jeans como no Brasil.
No início do ano passado, a Levi’s introduziu uma coleção pequena de calças femininas de cintura alta, mais largas e wide-leg chamadas calças balloon, que venderam muito bem, levando a companhia a dobrar sua produção. No último quadrimestre de 2020, a Levi’s também viu um aumento de 50% das vendas dos modelos masculinos mais relaxados (como os clássicos da linha 500) em relação ao mesmo período no ano anterior. E pensar que, há poucos anos atrás, a Levi’s considerou interromper a produção desses modelos, que não estavam vendendo tão bem.
Pode-se dizer que a pandemia tem uma influência direta nesta nova tendência, desde o ganho de peso que a maioria de nós teve no último ano até a animadora perspectiva de retomar um pouco de normalidade no dia a dia – ambas razões que podem motivar os consumidores a procurar novos modelos de jeans.
Para quem é fissurado em calça skinny, pode ficar tranquilo: mesmo que o look dos anos 2020s seja definido por calças jeans mais amplas, isso não significa o desaparecimento por completo dos modelos mais justinhos. A tendência é que tenhamos mais ofertas de mais modelos diferentes, aumentando as opções para atender aos mais diferentes gostos e ocasiões.
É inegável que a pauta BBB está nos assuntos mais comentados por 9 em cada 10 brasileiros, seja por quais motivos for. As diversas polêmicas da edição 2021 do reality show incluem o uso de lenços na cabeça por alguns participantes do programa. Devo dizer que a maioria dos comentários que li “nas internets” sobre o uso desse acessório não foi positivo – o que não me surpreende, já que, culturalmente, os brasileiros não são muito adeptos a “acessórios de cabeça” no dia a dia.
Eu, por exemplo, sempre amei usar arcos e chapéus. Desde pequenininha, chapéu é um acessório que eu gosto de usar a maior parte do ano. Mas 99% das vezes que uso chapéu no Brasil, noto os mais diversos olhares de estranhamento. Vale notar que bonés não são tão julgados quanto chapéus – mas isso já seria motivo de reflexão suficiente pra outro post.
No ano passado, com a pandemia do novo coronavírus, eu me vi procurando alternativas de prender o meu cabelo o máximo possível nas vezes que precisei ir na rua durante o verão: estudos mostram que cabelos soltos podem ser vetor de contaminação, uma vez que temos a tendência de levar as mãos (nem sempre limpas) aos cabelos. Não vou entrar nos pormenores das questões higiênicas, muito menos das minhas manias de limpeza, mas fato é que encontrei nos tradicionais carrés da Hermès uma alternativa estilosa de deixar os cabelos bem presos.
sequência que eu postei nos stories em setembro do ano passado. detalhes do look: carréHermès, camisa e meia Cantão (antigos), cinto Via Mia (antigo), short H&M (verão 2020), bolsa Burberry, óculos Ray Ban.
Como todas as peças clássicas da maison, os carrés da Hermès tem uma história interessante. Estima-se que cada uma desta peça francesa clássica, um quadrado 90cm x 90 cm feito de seda pura (carré significa, literalmente, quadrado), seja vendida a cada 30 minutos ao redor do mundo. Com mais de 1500 desenhos disponíveis, a estampa Brides de Gala é considerada o principal bestseller da maison. As proporções generosas do carré neste material luxuoso e sensual, e seus desenhos coloridos inspirados pelo mundo equestre e também por viagens e arte, fizeram com que os carrés de Hermès se tornaram um símbolo do chique francês. Há um certo respeito por essa peça icônica, que pode atravessar gerações, sendo passada como um tesouro de mãe para filha.
a Hermès tem alguns tutoriais ensinando maneiras diferentes de dobrar o seu lenço!
As coleções de primavera/verão costumam ser as mais esperadas pelas francesas, que costumam escolher uma nova estampa para o período mais quente do ano. Reza a lenda de que toda menina francesa que se preze, ao completar 16 anos, recebe um carré de Hermès de presente. Mantendo a tradição da maison, os carrés são feitos à mão: por mais de meio século, os fios de seda (cerca de 450km de fio para cada carré) passam pelos teares de Perrin & Fils. Demora-se cerca de 400 a 600 horas para que os estampadores dissequem os desenhos, que podem ter até 30 cores. Isso sem falar no processo de bainha, enrolado à mão: as bordas dos carrés são costuradas com fios da mesma cor, depois de serem gentilmente enrolados. Sim, é puro luxo; não por acaso, os carrés de Hermès fazem parte da base do estilo BCBG (sigla para Bon Chic Bon Genre) parisiense, lado a lado das headbands de veludo, jaqueta Barbour e colar de pérolas.
Eu poderia fazer um texto (ainda mais) extenso sobre a história do carré, que é uma peça tão fascinante e cheia de história, mas agora vou direto ao ponto: o mais interessante é que esta peça icônica pode ser usada de mil maneiras diferentes, o que traz muita personalidade ao look. Os carrés de Hermès podem ser usados como foulards ao redor do pescoço em noites frescas de primavera, como cintos, como bolsas, ou até mesmo como um top/bustiê. Mas o tema deste post é o uso dos lenços nos cabelos! E é por isso que eu trago algumas imagens da Hermès para inspirar você a pensar fora da caixa e emoldurar seu rosto com muitas cores.
Acho que ficou provado que os lenços são peças super versáteis, não é?! E embora eu tenha usado a história do carré da Hermès e imagens da maison para ilustrar o post, é claro que podemos encontrar lenços das mais diferentes marcas, nas mais diversas lojas, e dos mais variados preços para encher o #lookdodia de interessância! O importante, como sempre, é você se expressar por meio do seu estilo, usando suas roupas para comunicar a imagem que você deseja transmitir!
Depois de um grande hiato – em que eu mais rascunhei textos do que, de fato, terminei algum -, eis aqui o nosso primeiro post de 2021, que é uma reflexão diretamente provocada por um artigo da Vogue que eu li recentemente.
Neste artigo, a grande pergunta é: como o consumidor consciente se veste em 2021? E, mais: como consumir conscientemente neste ano? De acordo com a reportagem, é denominador comum que as palavras-chave na moda em 2021 são conforto e pragmatismo, com igual importância para a sustentabilidade. Então como fazer uma coleção de moda ser adequada a estes tempos?
O artigo da Vogue coloca a estilista Maria McManus como exemplo de preocupação com esses três conceitos-chaves desde antes da pandemia, já que ela começou a trabalhar numa linha de básicos chiques ainda em 2019. A Vogue destaca que um dos grandes benefícios de lançar sua marca nestes tempos que estamos vivendo é que McManus está diretamente engajada com novos consumidores conscientes.
O movimento de sustentabilidade na moda não é exatamente novo, mas ganhou força nos últimos anos. No entanto, tem sido um movimento inverso, em que as grandes forças deste mercado se engajam para melhorar suas já existentes práticas de trabalho e obtenção de materiais. No Brasil mesmo, são incontáveis as marcas que tiveram que rever seu processo produtivo por conta de denúncias de trabalho escravo na linha de produção, por exemplo. Por sua vez, há algumas marcas que realmente se comprometem com o slow fashion – pra mim, um grande exemplo é o Coletivo Lírico, que propõe vários designs super legais de t-shirts mas que só as produz de acordo com a demanda e não aceita devoluções (a menos que haja um defeito de produção), evitando acúmulo de produção e, consequentemente, gerando menos lixo.
com minha brusinha mais amada do Coletivo Lírico – slow fashion 100% algodão, 1000% poesia.
Maria McManus começou do zero com uma política muito clara, e até bastante agressiva; de acordo com Maria, se o tecido não for reciclado, orgânico, biodegradável, ou obtido de maneira responsável, ela simplesmente não usa. Deste modo, McManus já edita a sua produção desde o começo, sabendo exatamente o que ela procura. Maria também se preocupa com o uso dos recursos disponíveis para as suas etiquetas, que são recicladas, e também com os botões que usa, feitos a partir de nozes corozo (ou nozes tagua, que são consideradas o marfim vegetal).
Maria McManus tem uma preocupação direta com os tecidos que ela usa, com uma lista bem clara de certificações objetivas: o nylon e a cashmere reciclados são certificados pelo padrão de reciclagem global (Global Recycled Standard); o algodão orgânico é certificado pelo padrão global de tecidos orgânicos (Global Organic Textile Standard), o que significa que os fios não podem ser tratados com alvejante de cloro, formaldeído ou outros produtos químicos; a lã merino é verificada pela OEKO-TEX e o padrão de lã responsável (Responsible Wool Standard); e o tencel é certificado pelo Conselho de Gestão Florestal (Forest Stewardship Council), o que garante a administração responsável dos recursos naturais obtidos.
Esse tipo de preocupação com os tecidos influencia diretamente na vida do consumidor. Como nós já conversamos diversas vezes por aqui, tecidos obtidos através de fibras orgânicas/naturais costumam ser mais duráveis, são mais agradáveis ao toque, tem uma manutenção mais fácil, são biodegradáveis, entre tantos outros benefícios. Se nós, enquanto consumidores, estamos mais ligados sobre a maneira como nossas roupas são feitas, essas certificações citadas anteriormente costumam ser a diferença entre o progresso e o greenwashing (o termo greenwashing compreende a prática de promoção de discursos, anúncios, propagandas e campanhas publicitárias com características ecologicamente/ambientalmente responsáveis/sustentáveis). Termos como orgânico, ecológico, natural e sustentável são frágeis; se uma marca de moda alega que o algodão usado na produção é 100% orgânico, é preciso estar preparado para provar a procedência e veracidade da informação.
É fato que ainda há uma parcela pequena de consumidores conscientes, que compreendem o seu papel no consumo de moda como agentes modeladores de um novo jeito de produção. A reciclagem de roupas, por exemplo, ainda é uma prática muito nova e pouco disseminada – são pouquíssimos os centros de arrecadação de roupas para reciclagem, e pouquíssimas são as lojas que dispõem de caixas de coleta para peças destinadas à reciclagem. De acordo com o artigo da Vogue, Maria McManus compreende isso, e sabe que o principal apelo das suas criações é resultar numa coleção cheia de peças essenciais e duráveis que nós costumamos querer no nosso dia a dia: roupas fáceis, clássicas e confortáveis, com um toque de atitude e um bônus de comprometimento com o planeta. Para além dos materiais, a atenção aos detalhes e ao caimento faz a diferença na coleção de McManus, que também oferece peças vintage, escolhidas a partir de uma curadoria cuidadosa para fazer parte do styling. Tudo isso complementa a visão de Maria McManus de criar itens que poderão ser usados por muitos e muitos anos, com muita transparência e honestidade no seu processo criativo e produtivo.
É claro que o lançamento de McManus não é para todos os bolsos – os preços podem girar em torno de USD400 e USD800 -, mas é certamente um bom exemplo do comprometimento com uma moda verdadeiramente mais sustentável. Pra mim, já está mais do que provado que nada se cria, tudo se copia, e é por isso que eu sou otimista em pensar que esse tipo de prática poderá ser cada vez mais disseminada entre marcas mais populares – no Brasil e no mundo.
Eu realmente acredito que os consumidores desempenham papel importantíssimo para que as marcas de moda se preocupem cada vez mais com o desenvolvimento responsável e sustentável das suas coleções, e é por isso que eu gosto tanto de trazer estes temas pra cá. Quanto mais a gente reflete sobre a origem das nossas peças, sobre o impacto ambiental causado pelo que a gente veste, e sobre as escolhas que a gente faz ao consumir, mais o debate se populariza, e são maiores as chances de consumirmos conscientemente e de cobrarmos práticas sustentáveis de quem produz.
A “peça nobre” (ou hero piece, como diria um dos meus professores na LCS) é um detalhe essencial que te valoriza da cabeça aos pés, que eleva o seu guarda-roupa, que te deixa mais confiante, que te dá a certeza de que você pode conquistar o mundo.
Mas não se engane: quando a gente fala em “detalhe”, podemos pensar que a peça nobre se restringe a algo pequeno, como um acessório. Na verdade, a hero piece pode ser basicamente qualquer coisa que você usa quando precisa se sentir forte.
minha hero piece é, com certeza, esse trench coat.
Também não pense que a peça nobre precisa custar uma fortuna: você pode encontrá-la num brechó ou, com sorte, recebê-la como uma herança de família. Pode ser até que você a encontre numa fast fashion. A peça nobre é rara, bem conservada e, acima de tudo, imponente: pode ser um trench coat espetacular, um incrível par de sapatos, um vestido com caimento perfeito, um terno bem cortado, uma bolsa de couro de qualidade inquestionável, uma joia atemporal.
A peça nobre deve te vestir maravilhosamente bem, com um caimento perfeito, sem limitar seus movimentos mas ajudando a tornar os seus gestos em amplos, ágeis e graciosos. A sua peça nobre quer durar muitos anos na sua vida. O material da sua hero piece é impecável e o acabamento é perfeito, mas jamais será um manifesto.
Ao contrário do que a princípio possamos pensar, a hero piece não deve ser chamativa, mas quase um segredo; sua peça nobre deve ser atemporal, acima da moda, sem exageros, sem exibir marcas ou logotipos. Há quem diga que o luxo não deve exibir o seu nome.
A hero piece tem o poder de transformar-nos em verdadeiros heróis e heroínas: invencíveis.
Aproveitando que estamos falando sobre o je ne sais quoi francês por aqui, queria abordar um truque de styling muito simples que pode fazer maravilhas pela sua silhueta: o french tuck ou tucking in. Infelizmente eu não conheço uma tradução perfeita dessa expressão para o português, mas significa, simplesmente, enfiar apenas um pedacinho da sua camisa/blusa pra dentro da calça/saia/short/bermuda, geralmente na direção do umbigo.
Eu já falei por aqui que a silhueta mais proporcional, no caso feminino, é a ampulheta e, no caso masculino, trapezóide. Em geral, na consultoria de imagem, um dos objetivos principais é criar uma silhueta proporcional, que resulta num visual mais harmônico. É claro que este objetivo, como qualquer outro propósito dentro da consultoria de imagem (que, como eu sempre reforço, é algo absolutamente pessoal), pode ser ajustado de acordo com a projeção de imagem desejada.
Numa sociedade que está constantemente nos lembrando de que estamos fora do padrão e que precisamos nos encaixar, é muito comum que, tão logo ganhemos uns quilinhos a mais, recorramos a roupas mais largas, porque anos e anos de opressão nos levaram a acreditar que isso disfarça o que queremos esconder. Se você ainda não sabia, isso é uma mentira gigantesca.
Quando você usa roupas maiores e mais largas, o efeito causado é justamente o oposto: ao esconder a sua silhueta verdadeira, você perde perde a oportunidade de ressaltar as suas melhores características e apropriar-se de quem você é.
Eu mesma devo confessar que tenho passado por uma fase estranha quanto a isso: por ter um bumbum acima da média europeia, e por ter engordado um bocadinho durante o período de isolamento, precisei comprar algumas calças e shorts novos (meu closet definitivamente não estava preparado pro calorão que fez no verão por aqui). Ao comprar calças/bermudas/shorts, eu muitas vezes recorro a tamanhos maiores que podem de fato acomodar as minhas características físicas mas que, ao mesmo tempo, acabam adicionando volume onde não existe de verdade. Ideal seria se eu mandasse ajustá-las – fica aqui a nota mental para mim mesma.
E é aí que o french tuck também se torna uma ferramenta poderosa porque permite realçar a parte mais fina do meu corpo – que, em geral, é a parte mais fina do corpo de muita gente, mesmo que você não perceba isso em si mesmo.
Se você, como eu, tem uma barriguinha cultivada com carinho, uma pancinha charmosa de quem não se priva de um chocolate ou de um vinho, ou simplesmente ganhou uns quilinhos no período de isolamento, estou aqui para te dizer que, ao esconder o seu corpo dentro de roupas largas, você pode parecer até 2 tamanhos maiores do que você realmente é.
Não acredita? Então vou te propor um exercício: vá para a frente do espelho. Deixe a sua camisa/blusa pra fora da calça/short e faça uma nota mental – ou, melhor ainda, tire uma foto – de como a sua silhueta se apresenta. Agora coloque um pedacinho da camisa/blusa pra dentro da calça/short/saia e repita a nota menta/foto. O que você vê? Eu tenho certeza de que a imagem projetada é de uma silhueta mais enxuta, menorzinha. E também tenho certeza de que, se você adotar esse truque na próxima vez que sair de casa, ninguém vai notar a sua barriguinha charmosa. Na verdade, na maior parte do tempo, a gente costuma se preocupar demais com umas partes do nosso corpo que as outras pessoas nem notam.
Por fim, eu proponho mais um exercício: toda vez que você se olhar no espelho, imagine que está falando com um amigo/amiga. Coloque nessa conversa o mesmo amor, carinho e gentileza que você tem com outras pessoas e seus corpos. A linguagem que usamos para falar com aquela imagem refletida no espelho é tão importante quanto a linguagem que usamos ao conversar com outras pessoas. Eu prometo que, se você se olhar no espelho todos os dias focando sua energia em duas ou três coisas que você ama em você e/ou no seu corpo, ao invés de direcionar seus pensamentos somente para as coisas que você gostaria de mudar, a sua mentalidade, confiança e autoimagem vão melhorar muitíssimo.
Eu queria refletir, de modo um pouco mais aprofundado, sobre o estilo francês, sobre esse je ne sais quoi que encanta tanto e que desperta tanto desejo. Eu não sou a maior especialista no assunto, mas sempre fui muito observadora e nunca perdi a oportunidade de reparar nos franceses nas vezes em que na terra deles estive. Além disso, já li uma parcela (jamais suficiente) de literatura sobre moda e estilofrancês, tendo notado que um tema recorrente como característica marcante do estilo de vida deles é o bem-estar (bien-être), o sentir-se bem na sua própria pele (bien dans sa peau).
Se você já viu um francês/uma francesa porque esteve na França presencialmente ou por meio de filmes e séries, convido a uma breve reflexão: qual é a primeira imagem que vem a sua cabeça? Com certeza não é uma boina vermelha, porque isso, sim, é um clichê daqueles (não é que não exista, mas é algo demasiadamente caricato). Se eu fecho os olhos e me lembro de Paris, eu imediatamente me transporto para os parques e jardins espalhados pela cidade. Temos, aí, a primeira grande marca do bien-être: a conexão com o ar livre e, diretamente ligado a isso, o exercício físico praticado de modo inconsciente.
*toca Charles Aznavour ao fundo*
Na França, academias não fazem muito sucesso. Pra que ficar numa esteira, por exemplo, se você mora num prédio de escada, se pode subir e descer as escadas do metrô, se pode caminhar pelas ruas entre um compromisso e outro? Em Paris, como em outras cidades europeias, elevador é artigo de luxo – no prédio em que moramos, por exemplo, temos um elevador minúsculo, para apenas 2 pessoas, e que não chega exatamente até nosso andar, precisando subir sempre “meio lance” de escada (sim, prédios na Suíça, ou pelo menos em Berna, são estranhos). Da mesma forma, contratar alguém para desempenhar as tarefas domésticas é algo absolutamente restrito a uma camada muito rica da sociedade. E quem nunca entendeu que uma bela faxina em casa é um excelente exercício físico, está perdendo uma bela oportunidade!
E, por falar em caminhar, a mulher francesa jamais usará um sapato que não lhe seja absolutamente confortável e adequado para as suas tarefas diárias. Salto no dia a dia? Esqueça. Se parte do je ne sais quoi francês é o bien dans sa peau, jamais faria sentido usar peças no vestuário que possam limitar ou até mesmo atrapalhar os seus movimentos.
Vamos voltar um pouquinho no tempo e pensar, por exemplo, em Mademoiselle Chanel e na icônica bolsa Chanel 2.55: Gabrielle estava cansada de ter que carregar bolsas nos braços e decidiu criar um modelo que deixasse as suas mãos livres. É muito interessante pensar que, como marca, a Chanel sempre prezou pelo conforto feminino, e algumas fontes dizem que as bolsas transpassadas usadas por militares nos anos 1920 inspiraram o design da bolsa Chanel 2.55 (que leva esse nome por conta do mês e ano de sua criação: Fevereiro de 1955. E, imagine só: este modelo custava apenas USD220 naquela época!). Com esta criação, Coco Chanel revolucionou a história das bolsas femininas: pela primeira vez na história, era aceitável que mulheres de determinado status social carregassem bolsas em seus ombros, deixando as mãos livres.
Estar bem na sua própria pele é, com certeza, o primeiro passo para ter uma boa autoestima, uma autoconfiança elevada. Pensando na mulher francesa, ela investe muito mais no cuidado com a sua pele do que em maquiagem. De novo, um exercício: feche os olhos por um segundo e pense nas prateleiras de produtos para skin care da sua farmácia mais próxima. Quantas marcas francesas estão ali? Tudo isso tem uma razão de ser. Se uma francesa usa maquiagem, ela não quer que você saiba que ela está usando maquiagem. Tudo é milimetricamente pensado para parecer que não foi pensado – a diferença é que elas se acostumam desde a infância a isso, aprendendo em casa, com suas mães e avós, a cuidar da pele, a sentir-se bem na própria pele.
E, por falar da pele, os franceses acreditam que a cultura deixa a pele rosada (a famosa “cara de saúde”), tanto quanto consumir produtos frescos. O interesse por arte, cultura e política permeia o dia a dia e molda todo o estilo de vida.
Por fim, pra quem acha que a unha francesinha nasceu na França e é moda entre as francesas, devo informar que elas não entendem o porquê desse tipo de pintura, nem jamais o usariam: na verdade, elas consideram que representa exatamente o contrário do chique francês…
A série do Netflix “Emily in Paris” é, provavelmente, o assunto mais comentado do mês de outubro. Eu assisti logo que foi lançada – confesso que estava ansiosa! – e não poderia deixar de dar meus pitacos sobre alguns dos aspectos mais debatidos em torno da série.
*toca Edith Piaff ao fundo*
Eu gosto bastante da Lily Collins – talvez tenha algo relacionado ao fato de termos nascido no mesmo ano – e fiquei feliz de vê-la produzindo uma série que já nasceu com potencial. Particularmente, eu adoro uma série tranquilinha assim, que tem um pouquinho de drama mas nada que me faça perder o sono – o tipo de entretenimento que eu classifico como ideal para a hora do chá.
“Emily in Paris” tem um styling discutível, diria até um pouco preguiçoso em alguns momentos. Principalmente quando se trata do figurino da personagem principal, tenho várias ressalvas – a começar pela coleçãozinha de bolsas da Chanel que a personagem desfila e não seria condizente com o paycheck que ela recebe. Por sua vez, o styling de Camille é bastante acertado para a jovem francesa cool dona do je ne sais quoi. Se você quer ter uma ideia de como a francesa se veste, é para Camille que você deve olhar, e não para Emily.
E aí que uma das muitas discussões sobre a série, e também sobre o styling, fica em torno dos clichês. O que eu acho que a gente não pode esquecer é que, em primeiro lugar, todo entretenimento também é uma alegoria, lançando uma lupa sobre coisas do cotidiano, como se a gente pudesse ver a realidade com um zoom.
Longe de mim querer me colocar como especialista no estilo francês ou estadunidense, mas já tive algumas oportunidades de observar in loco como cada uma dessas nacionalidades se veste e se porta. E, para além da observação in loco, basta olhar para as marcas estadunidenses e para as marcas com DNA francês que podemos notar as diferenças gritantes.
Letícia in Paris: minha primeira vez na cidade, em 2009
Emily chega em Paris pronta para viver o clichê que outras milhares de jovens (ou não tão jovens assim) estadunidenses compreendem como la vie en rose. Ninguém quer ser chamado de ringarde mas, aos olhos de um francês raiz, é isso mesmo que os estadunidenses são. E não se trata só da maneira de vestir-se, mas do lifestyle como um todo. São muitas as diferenças culturais que influenciam no estilo de cada nacionalidade. A gente não pode nunca esquecer que muito do que somos é um resultado das influências que recebemos.
Por exemplo: um francês raiz jamais vai comer em pé ou andar pela rua tomando um café, porque as refeições são entendidas como um ritual a ser seguido, diferentemente dos estadunidenses que, de tão habituados a um ritmo frenético, acham super normal beber um café (quase sempre meio frio) enquanto dirigem. Outro exemplo: os franceses e, particularmente, os parisienses prezam muito pelo conforto. O trânsito em Paris é caótico e a melhor maneira de você se locomover sempre será a pé – ou, no máximo, pegando metrô. Assim, usar roupas muito “montadas”, que exigem uma preocupação extra se está tudo no lugar, não é uma opção. Mas eles crescem assim, é uma coisa cultural. Por sua vez, são pouquíssimas as cidades estadunidenses nas quais as pessoas tem liberdade suficiente pra locomoção a pé, sendo quase sempre muito dependentes dos seus carros. A grande diferença é na maneira como cada um compreende o que é conforto: enquanto a ideia de uma roupa confortável para um estadunidense médio será, por exemplo, um conjunto de moletom, ou uma roupa larga, o francês médio prefere peças de alfaiataria com corte impecável e um bom suéter.
Pra mim, a série teve várias delícias e eu aguardo a segunda temporada. Em tempos tão esquisitos, em que eu me privo de ir mesmo ao centro de Berna pra pesquisar as novidades (ou mesmo buscar um pão que acabou antes da próxima entrega de mercado agendada), poder “andar” pelas ruas de Paris com cada episódio da série foi um deleite.
Por fim, vou deixar aqui um pequeno conto da minha última passagem por Paris (que foi muito rápida, há 8 meses atrás, mas que parece que foi em outro século): não é segredo pra ninguém que eu sou muito apaixonada pela Disney e não existe a menor possibilidade de ir pra Paris e não ir na Disneyland Paris. Na verdade, essa passagem por Paris em fevereiro, no começo das férias, só tinha mesmo esse objetivo: ir na Disneyland Paris em comemoração (atrasada) pelo meu aniversário de 30 anos; de lá, seguimos as férias pela Bélgica e Alemanha. Em função do meu aniversário, e aproveitando que estávamos de carro, eu tinha planejado fazer algumas compras audaciosas no parque: queria o Lumière, o Horloge, e a Madame Samovar com o Zip. Audaciosas porque, além de serem consideradas peças de colecionador, estavam em caixas de tamanho considerável para proteção.
Pois bem, acabou que saímos da Disneyland Paris direto pra um lugarzinho tipicamente francês, daqueles de insider mesmo, pra jantar com uns amigos que estavam na cidade, hospedados na casa de um amigo que mora em Paris já há alguns anos. Estava com uma sacola imensa da Disneyland Paris carregando minhas aquisições (na verdade eram duas sacolas porque eu não tenho expediente e comprei outras coisas também), Disney bounding de Woody muito feliz da minha vida.
Na hora de ir embora do bistrô (aliás vocês sabiam que bistrô é uma palavra derivada do russo?), notei que a francesa na mesa ao lado me julgava com todas as forças por estar com uma sacola tão grande da Disneyland Paris (tem muito bad blood na história da relação dos parisienses com a Disneyland Paris). Aos olhos dela, eu era uma completa ringarde. E aí eu olhei bem no fundo dos olhos dela, e sorri; ela podia me julgar o quanto quisesse, porque aquelas compras que eu fiz na Disney faziam (e fazem) todo sentido pra mim, e só isso verdadeiramente importa.
Há mais de 2 anos, eu escrevi um post apresentando algumas dicas para fazer uma versão real do armário cápsula, que é um dos posts mais acessados na história desse blog. Com o começo do outono por aqui, que veio acompanhado de uma queda drástica nas temperaturas, eu resolvi editar um armário cápsula para a minha estação favorita a partir de peças que já habitam o meu armário.
Mais uma vez, meu ponto de partida foi uma paleta de cores restrita, buscando montar um grupo coerente de peças que funcionem entre si, permitindo multiplicar o máximo possível o número de combinações. O grupo de cores de base é formado pelos tons neutros de caramelo/cinza/preto, o grupo de suporte ficou por conta dos azuis, e as cores vinho e verde pontuam esse armário cápsula.
Para esse capsule wardrobe de outono, que poderia ser um armário cápsula de inverno em algumas cidades do Brasil, eu escolhi:
um trench coat longo
uma parka impermeável que tem forro removível
um blazer xadrez
um “chunky” suéter de lã
um suéter de algodão
um suéter de cashmere
uma camisa com pérolas aplicadas na pala
uma camisa social de veludo cotelê
uma camisa social xadrez
uma calça xadrez
uma calça de veludo cotelê
uma calça jeans
uma estola de cashmere
um cachecol de lã
uma bolsa grande
uma bolsa média
uma bolsa pequena
um par de tênis branco
um par de mocassim preto
um par de botas modelo “Chelsea”
Note que, das 20 peças escolhidas para o meu armário cápsula de outono, 4 delas já formavam conjuntinhos: o blazer e a calça xadrez compõem um terninho, look clássico para situações mais formais, enquanto a camisa e a calça de veludo cotelê já garantiriam um look caí na tinta. Além disso, esse armário cápsula segue o princípio de ter mais peças de cima (tops) do que peças de baixo (bottoms), o que sempre garante uma maior versatilidade.
O grande twist desse armário cápsula é, pra mim, o tênis branco. Um tênis branco tem a capacidade de modernizar o que é clássico, de dar personalidade ao look. Por sua vez, a bota modelo “Chelsea” é um clássico, diria até um básico para estações mais frias.
Com essas 20 peças, eu consigo pensar em incontáveis combinações: todas as calças combinam com todas as camisas, todas as calças combinam com todos os suéteres, resultando em 18 combinações possíveis. Se pensarmos nos casacos, esse número ainda triplica!
Eu lembro bem da primeira vez que comecei a pensar na lógica do custo por uso na minha vida: foi em 2009, quando eu era guia pra Orlando. Consequentemente, visitava outlets e shoppings a cada 6 meses numa época em que a cotação dólar x real permitia fazer várias comprinhas por temporada. Na época, nem se pensava em ter Forever 21 no Brasil, e a ideia de comprar várias brusinhas por preços baixíssimos (estamos falando de no máximo US$5 numa época em que a cotação do dólar turismo ficava entre R$1,70 e R$2,40) era muito atrativa para uma pessoa de 19 anos que estava na faculdade (da graduação ao mestrado) e queria fazer render ao máximo o dinheirinho que ganhava. Até então, eu achava que fazer render o meu dinheirinho era comprar muitas peças de roupas diferentes.
Eis que em 2009 eu comprei muito mais do que brusinhas na Forever 21 (tô usando Forever 21 como exemplo principal porque era a mais baratinha de todas, mas isso valia também pra H&M e até Abercrombie/Hollister, que bombavam na minha época de jovem): em seguida do meu grupo de julho, eu viria para a Suíça(!) pela primeira vez, participar de uma semana de simulações dos comitês da Assembleia Geral das Nações Unidas na sede da ONU em Genebra. Com isso, eu olhei a forevinha de outro jeito, comprando brusinhas sim porém tentando também fazer alguns achados que eu pudesse aproveitar nos looks formais nessa semana que eu passaria na ONU. Só que aí a American Airlines não colocou as malas do nosso grupo no nosso voo (sério, t-o-d-o-s chegamos no Brasil sem a bagagem que tínhamos despachado), e eu fiquei de mãos abanando, já que meu voo pra Genebra era, literalmente, no dia seguinte, e as malas não chegariam a tempo.
Ou seja: eu tinha enchido UMA MALA INTEIRA de coisas da forevinha que simplesmente não chegaram em tempo de cumprir o seu propósito principal, e ainda tive que sair correndo pra comprar roupas pra viajar no dia seguinte – sem contar que tive que comprar mala também. Sem contar que eu coloquei os cabos e fonte da minha câmera digital novinha na mala despachada e tive que viajar pra zoropa com uma câmera mais velha. Desde então, eu nunca na minha vida mais despachei nem um único cabo/fonte.
Corta pra quando eu cheguei de volta em Niterói depois de 2 semanas entre Genebra e Paris (essa foi a minha primeira viagem pra Europa e eu literalmente implorei pra minha mãe pra eu passar uns dias em Paris, mesmo sozinha, mesmo pegando dia dos pais e aniversário da Mivó, e ela deixou). Abri as malas que vieram de Orlando, e aquele monte de roupa que eu comprei na forevinha simplesmente não fazia sentido pra mim. Eu lembro que, enquanto eu fazia essas compras, desde antes de virar guia, eu me convencia de que valia a pena porque eu chegaria no Brasil com um armário completo pra nova estação e não precisaria comprar mais n-a-d-a nas lojas brasileiras (pense em Farm, Dress To, Cantão, Maria Filó, Animale, etc). Veja bem, era um bom argumento, bastante convincente. Só que aí era só sair coleção nova que eu já tava lá, conferindo as novas estampas, as novidadinhas, gastando minha mesada/bolsa de estudos todinha naquelas roupas que também acabariam vivendo por pouco tempo no meu armário – afinal de contas, pra tudo que entrava, alguma coisa tinha que sair.
Foi justamente nesse período que o conceito de custo por uso começou a ser formulado. Ao ver as notas de compras na forevinha, que eu sempre guardava, eu notei que a soma de todas aquelas brusinhas dava pra comprar uma bolsa de luxo. Imagina a ficha caindo?! Eu fiquei pasma: quase não acreditava que tinha gasto o equivalente a uma bolsa da Louis Vuitton (que, na época, ainda era objeto de cobiça) em brusinha/óculos escuros de qualidade questionável.
Seria injusto eu dizer que nunca fiz uma compra verdadeiramente boa na Forever 21 (ou equivalente): algumas peças tinham qualidade bastante razoável, tendo durado alguns anos no meu guarda-roupa, e cheguei até a ir a mais de um casamento vestida com lookinhos forevinha que custaram uma bagatela e faziam bonito. Essas peças realmente tiveram um custo por uso MUITO baixo, mas são itens que eu conto nos dedos da mão. Em geral, tudo isso que eu comprava a cada 6 meses nos EUA, tinha um tempo de vida útil muito curto no meu armário, sendo doadas muito rapidamente.
Isso era um tipo de consumo insustentável. E foi aí que eu entendi que, se eu comprasse coisas muito baratas que não usava nunca, o custo por uso foi altíssimo. Mas se eu comprasse uma coisa cara que eu usasse por muitos anos (preferencialmente, a vida inteira), o custo por uso seria baixíssimo. Por exemplo: se eu usasse 2 vezes uma brusinha de US$5 antes de doá-la, o custo por uso dela seria de US$2,50; por sua vez, se eu usasse cinquenta vezes uma blusa de US$50, o custo por uso dessa peça seria US$1.
No momento em que essa ficha caiu, eu me decidi que, na temporada de janeiro de 2010, a prioridade do meu orçamento de viagem seria comprar uma Speedy 30 da Louis Vuitton: eu era alucinada por esse modelo por vê-la nas mãos da Audrey Hepburn, que era uma referência de estilo muito grande pra mim na época (e ainda é, na verdade). Com o dinheiro que sobrasse, eu estaria livre pra comprar quaisquer outras coisas que quisesse (bota aí que boa parte do meu orçamento sempre ia nas coisas de parque, porque eu sempre fui assim).
toda faceira usando a Speedy pela primeira vez em Downtown Disney (hoje Disney Springs)
Eu gosto de pensar no custo por uso como uma versão do custo-benefício, principalmente considerando compras de luxo. Nesse caso, o custo por uso é bastante objetivo: se eu compro uma bolsa de US$1000 e uso 100 vezes, o custo por uso foi US$10; mas se eu compro uma bolsa de US$50 e uso duas vezes, o custo por uso foi de US$25. Ou seja: a bolsa de US$1000 tem um custo por uso menor do que a bolsa de US$50, e consequentemente corresponde a um uso melhor do meu dinheiro.
Sempre que eu fico com vontade de comprar alguma besteira, eu penso que aquela quantia poderia ser investida numa coisa mais duradoura e reflito MUITO sobre cada compra. Isso não significa que eu não compre mais nenhuma besteirinha, que eu não compre nenhuma coisinha baratinha; no entanto, significa que a minha reflexão sobre todas as minhas compras diminui o meu ritmo de consumo, me fazendo me perguntar o porquê de cada compra, e por vezes me fazendo desistir das besteirinhas em prol de uma coisa mais cara que tem mais potencial de uso e durabilidade na minha vida.
Desde a Speedy 30, todas as vezes que fui pra Orlando como guia eu aproveitei pra “investir na bolsa”; alguns investimentos foram melhores do que outros, e algumas bolsas eu acabei vendendo porque não eram usadas como deveriam (aumentando o custo por uso e ocupando espaço precioso no meu armário). Mas essa matemática que eu aprendi há mais de 10 anos atrás continua guiando as minhas compras até hoje, e eu procuro ensiná-la aos meus clientes da consultoria de imagem e estilo.
