Musée Yves Saint Laurent em Paris

Estava devendo este post faz tempo! Em março, visitei o Musée Yves Saint Laurent, inaugurado recentemente em Paris. Desde outubro de 2017, o endereço 5 avenue Marceau abriga um museu dedicado à vida e aos trabalhos desse verdadeiro artista da moda, no lugar onde, outrora, funcionava a maison de couture de Saint Laurent.

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Yves Mathieu-Saint-Laurent nasceu em 1º de agosto de 1936 em Oran, na Argélia. Filho de Lucienne e Charles Mathieu-Saint-Laurent, que dirigia uma companhia de seguros e era dono de uma cadeia de cinemas. Yves e suas duas irmãs, Michèle e Brigitte, cresceram no coração da brilhante sociedade de Oran. Nos bancos da escola primária e nas cadeiras do colégio, o jovem rapaz tímido e sensível consumia com assiduidade a literatura e as revistas de moda da sua mãe.

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“As modas passam, o estilo é eterno.”

Aos 13 anos, na sua cidade natal, Yves assistiu a uma apresentação da Escola Feminina, junto de Louis Jouvet. As decorações eram de Christian Bérard, um artista-prodígio, e que foi para Yves um grande choque. Na época, existiam turnês teatrais de qualidade extraordinária, e foi assim que o jovem Yves pode descobrir “La Machine Infernale” de Jean Cocteau, com Jean Marais, Elvire Popesco e Jean-Pierre Aumont, com as decorações de Bérard. Em seguida à tais descobertas, Yves constrói seu “Illustre Petit Théâtre”, uma miniatura sobre a qual os personagens de papel vestiam os trajes inventados pelo jovem rapaz. Essa paixão se junta ao seu amor pela literatura, e ele escreve seus primeiros poemas. Foi durante a adolescência que Yves Saint Laurent descobriu, com admiração, a obra de Marcel Proust, que continuaria a fascinar-lhe por toda a sua vida. Os primeiros croquis de figurinos de Yves Saint Laurent deixaram claros o seu dom para o desenho.

Entre 1953 e 1954, Yves começa a imaginar a maison de couture dos seus sonhos: “Yves Mathieu Saint Laurent Haute Couture Place Vendôme”. As revistas de moda preferidas de Lucienne, sua mãe, passam a ser recortadas por Yves, que selecionava as silhuetas das suas manequins preferidas e cria um guarda-roupas inteiro de papel, usando também guache e/ou aquarela.

Em 1953, aos 17 anos, Yves Saint Laurent participou do concurso anual do Secretariado Internacional da Lã, com um juri composto de célebres couturiers como Hubert de Givenchy e Christian Dior. O Secrétariat International de la Laine representava os produtores de lã do Hemisfério Sul, e se incumbia de promover o material, natural ou sintético. Este concurso contemplava três categorias: casacos, alfaiataria e vestidos. Yves Saint Laurent recebe o prêmio de terceiro lugar na categoria de vestidos, que ele vai receber em Paris acompanhado de sua mãe. Na sua primeira visita à capital francesa, Yves se encontra com Michel de Brunhoff, redator chefe da revista Vogue, que era conhecido de seu pai. A influência de seu pai será decisiva ao encorajá-lo a perseverar em tudo enquanto se aplicava para tornar-se bacharel.

Em setembro de 1954, Yves Saint Laurent se instala em um pequeno quarto no número 209 do Boulevard Pereire em Paris, e começa a estudar na Câmara Sindical de Costura. Em novembro do mesmo ano, ele participa em outro concurso do Secrétariat International de la Laine e, desta vez, ganha o primeiro e o terceiro prêmios na categoria de vestidos, entre os 6000 desenhos anônimos enviados. O modelo que ganhou o primeiro prêmio – um vestido coquetel em crepe preto – foi costurado nos ateliês de Hubert de Givenchy. Karl Lagerfeld, com 21 anos, ganhou o primeiro prêmio na categoria de casacos daquele mesmo concurso.

Yves e Michel de Brunhoff continuaram se correspondendo. Em junho de 1955, o jovem apresenta a Brunhoff alguns croquis. O redator chefe da Vogue Paris fica estupefato com a semelhança dos traços desenhados por Christian Dior, e decide mostrá-los a ele. Em 20 de junho de 1955, Yves Saint Laurent se encontra com Christian Dior no número 30 da Avenue Montaigne. Igualmente impressionado pelo talento do jovem, Dior o contrata imediatamente para trabalhar com ele. Um dos primeiros vestidos de Yves Saint Laurent na Dior foi imortalizado por Richard Avedon na famosa foto “Dovima et les éléphants”, fotografada no Cirque d’Hiver. Naquela época, Saint Laurent reencontra as manequins-vedettes Victoire Doutreleau e Anne-Marie Muñoz, que se tornaria sua colaboradora no estúdio depois da criação da sua maison de couture.

Ao longo de pouco mais de dois anos, Yves Saint Laurent vai aprender, ao lado do mestre Christian Dior, todos os segredos do meio do couturier. Entre desenhos de croquis e peças piloto, eles criaram juntos coleções de cerca de 200 modelos. Fica confiada à Yves a tarefa de decorar as boutiques, além de participar da confecção de muitos vestidos de alta costura. Yves Saint Laurent ganha rapidamente a confiança de Christian Dior, que lhe confia mais responsabilidades.

Em 24 de outubro de 1957, Christian Dior morre de ataque cardíaco enquanto se tratava em Montecatini, na Itália. Conforme tinha sonhado, Yves Saint Laurent, com apenas 21 anos, sucede M. Dior e é nomeado diretor artístico da maison de couture. Se, naquela época, eles ainda não se conheciam, Yves Saint Laurent e Pierre Bergé estiveram no enterro de Christian Dior. Pierre Bergé era amigo íntimo de Dior. Poucos meses depois, Yves e Pierre se conhecem.

Enquanto o mundo ainda chorava a morte de Dior, Yves Saint Laurent não tinha muito mais do que alguns meses para preparar a coleção de primavera/verão de 1958, com apresentação prevista para o dia 30 de janeiro. Ele volta para Oran, como era seu hábito, para desenhar os croquis que apresentaria em seguida: em 15 dias, ele tinha mais de 600 desenhos.

Às 10h da manhã do dia 30 de janeiro de 1958, uma quinta-feira, a primeira coleção de Yves Saint Laurent para Christian Dior estava prestes a ser apresentada; todos estavam impacientes, desde a imprensa internacional até Pierre Bergé que assistia, ao lado de Bernard Buffet, ao seu primeiro desfile de moda. Uma hora mais tarde, Yves foi ovacionado. A imprensa estava eufórica em imortalizar os primeiros passos do “Petit Prince de la mode”, o mais jovem couturier do mundo enquanto admiradoras choravam de felicidade. Os modelos eram refinados com linhas geométricas. A silhueta era diferente daquele New Look definido por Dior em 1947. Os vestidos não seguiam mais os corpos: eles flutuavam e se apoiavam mais nos ombros do que na silhueta – e eram, portanto, mais leves.

O reencontro entre Pierre Bergé e Yves Saint Laurent aconteceu alguns dias mais tarde, em um jantar organizado por Marie-Louise Bousquet, diretora da edição francesa da revista americana Harper’s Bazaar. Poucos meses depois, Pierre e Bernard Buffet terminam seu relacionamento, e o casal fora de série Yves e Pierre nunca mais se separa. Essa verdadeira comunhão de vida formará a base para a fundação da maison de couture de Yves Saint Laurent em 1961.

Depois de comandar seis coleções na maison Dior, em setembro de 1960, o conflito na Argélia se intensifica e Yves Saint Laurent é convocado aos frontes de batalha. Tomado por uma depressão, ele é hospitalizado no Val-de-Grâce. A maison Dior decide removê-lo de seu cargo, escolhendo Marc Bohan para substituí-lo. Quando Pierre Bergé contou a Yves esta decisão da maison Dior, Saint Laurent lhe disse que eles criariam uma maison de couture juntos, e que Pierre seria o diretor.

Assim, Pierre Bergé começou a coletar os fundos necessários para fundar uma maison de couture. Ele vendeu seu apartamento na Île Saint-Louis, e assinou um contrato com um investidor americano. Enquanto isso, Yves Saint Laurent já dava suas primeiras entrevistas antes mesmo da abertura da sua maison. Em seguida, a maison se instala no número 11 da rue Jean-Goujon, nos antigos ateliês Manguin, onde Christian Dior, em 1945, pensou em abrir sua própria maison antes de decidir pelo número 30 da Avenue Montaigne. As instalações na rue Jean-Goujon são provisórias, esperando que as obras no número 30 bis da rue Spontini terminem para abrigar definitivamente a maison, no antigo hôtel particulier do artista Jean-Louis Forain. No dia 4 de dezembro de 1961, a maison abre as suas portas, e o primeiro vestido, chamado “00001”, é entregue à Patricia Lopez-Willshaw, personalidade importante do Café Society no pós-guerra.

Desde o começo, Yves Saint Laurent buscava inspiração no vestuário masculino. Em 1962, ele busca o caban, um casaco de lã usado pelos oficiais da marinha para proteger-lhes do frio. Era uma peça de vestuário prática, de formas simples que esculpiam a silhueta. O fato de que o caban não era ajustado e que cobria os quadris era uma vantagem para as mulheres que não ousavam usar calças compridas e buscavam uma silhueta mais feminina.

O caban abre o desfile de 1962 como a primeira peça a ser apresentada. A manequim vestia o caban combinado a uma calça de shantung branca e mules. Esse look definia o estilo Saint Laurent, que pegava emprestado peças do vestiário masculino para dar às mulheres mais conforto e confiança. O couturier continuaria a desenvolver o navy look de maneira elegante, e de maneira mais notável na coleção de 1966.

O trench coat é outro exemplo do estilo de Saint Laurent, que mais uma vez toma emprestado do vestuário masculino uma peça a ser incorporada no guarda-roupa feminino. Yves Saint Laurent conserva as mangas raglan, a abotoação dupla e o cinto que passa a acentuar a silhueta feminina. Por sua vez, Yves reinventa o tamanho do trench coat, que, originalmente, cobria as panturrilhas. O trench coat passa a vestir e acentuar as curvas do corpo feminino, e é até hoje uma peça essencial do vestiário feminino.

Em 1964, a maison Yves Saint Laurent lança seu primeiro perfume, Y. Em 1965, o diálogo com a arte é traduzido numa coleção de vestidos que homenageavam Piet Mondrian.  O jersey de lã, trabalhado com detalhes, nunca tinha aparecido em outra coleção de couture, e permitia a Yves Saint Laurent transpor a matéria artística pintada em material têxtil, destacando o senso geométrico do pintor holandês. Para esta coleção, Saint Laurent desenhou sapatos que foram feitos por Roger Viver: eram scarpins pretos enfeitados por uma grande fivela quadrada em metal dourado ou prateado. Estes sapatos foram escolhidos para Catherine Deneuve no papel de protagonista do filme Belle de Jour, e o sucesso foi tamanho que os sapatos passaram a ser conhecidos pelo nome do filme.

No ano de 1966, Yves Saint Laurent e Pierre Bergé visitam o Marrocos pela primeira vez. O casal se apaixona pelo país imediatamente, a ponto de apresentar uma proposta de compra para uma pequena casa na medina de Marrakesh, Dar el-Hanch (a casa da serpente). A partir de então, Yves passará a visitar o Marrocos várias vezes por ano para desenhar suas coleções. Em 1974, o casal consegue finalmente comprar Dar el-Hanch, situada próxima ao Jardin Majorelle. Em 1980, o casal decide comprar também a Villa Oasis e o Jardin Marjorelle.

No mesmo ano, Yves Saint Laurent se torna o primeiro couturier a abrir uma boutique de prêt-à-porter com seu próprio nome. Durante os anos 1960, a evolução da sociedade tornava cada vez mais obsoletas as regras impostas pela alta costura, e um número crescente de mulheres desejava se vestir de maneira elegante e acessível. Yves Saint Laurent dá voz à sua vontade de criar roupas para todos, e não apenas para aqueles mais ricos, abrindo a sua primeira loja no dia 26 de setembro de 1966 no número 21 da rue de Tournon, no 6e arrondissement de Paris (SAINT LAURENT rive gauche). Ele não fazia do prêt-à-porter um derivado da alta costura com preço mais baixo, mas sim lança uma linha completa à qual ele dedicou a mesma atenção. O sucesso é incontestável: em 1968, abre sua primeira boutique além-mar em Nova Iorque, e no ano seguinte em Londres. Em 1969, Yves Saint Laurent abre sua primeira boutique de prêt-à-porter para os homens.

Na coleção de outono-inverno de 1966, Saint Laurent introduz a peça mais icônica do seu estilo: o smoking. Originalmente, era uma vestimenta masculina reservada ao ambiente de fumo, com o objetivo de proteger as outras peças de roupa do cheiro do cigarro. O smoking Saint Laurent não era uma simples cópia da peça masculina: ele utiliza todos os códigos para adaptar a peça ao corpo feminino. Muito inovador, a princípio não fez muito sucesso com os clientes da haute couture, passando muito tempo sem vender um único exemplar. Paradoxalmente, foi um sucesso de vendas na versão SAINT LAURENT rive gauche. A clientela mais jovem amou aquela inovação. O smoking se tornou, então, um clássico, revisitado em todas as suas coleções até 2002.

Yves Saint Laurent introduz a primeira saharienne nos desfiles de 1967, mas era um modelo único fora de coleção, imaginado para uma reportagem fotográfica da revista Vogue Paris, o que consagrou aquela peça rapidamente como um clássico. Com a saharienne, Yves Saint Laurent afirma a definição do seu estilo que pega emprestado dos códigos de vestimenta masculinos para revolucionar a moda feminina. Para a saharienne, ele se inspira pelo equipamento da Afrikakorps e, de maneira geral, dos modelos vestidos pelos homens ocidentais na África. A saharienne, em gabardine de algodão, é uma peça confortável e adaptada ao calor. Com Yves Saint Laurent, ela se torna um símbolo perfeito de libertação, impulsionado pelos anos 1960, mas também uma nova forma de sedução. Desde 1969, a saharienne está disponível em prêt-à-porter na boutique SAINT LAURENT rive gauche, e seu sucesso é imediato.

Como a saharienne, o macacão faz sua primeira aparição na apresentação da coleção de primavera-verão de 1968. Saint Laurent se inspira a partir de uma vestimenta funcional dos aviadores. Na versão masculina, há bolsos práticos e uma silhueta que não revela as formas. Yves inova ao criar um macacão que destaca as formas do corpo feminino: o macacão ajustado desenha uma silhueta muito elegante.

Não se pode falar em Yves Saint Laurent e não lembrar da coleção escandalosa de 1971. Em 29 de janeiro daquele ano, Saint Laurent apresenta a coleção chamada “Libération” ou “Quarante”, inspirada pela moda dos anos 1940, marcada pela guerra. Paloma Picasso inspira o couturier, porque ela se vestia com roupas mais velhas e de brechó. Vestidos curtos, solas baixas, ombros quadrados, maquiagem borrada, referencias à Paris da época da ocupação: tudo isso foi um escândalo. Violentamente criticado pela imprensa, a coleção dá eco à corrente retrô que tomará rapidamente as ruas.

Em 1974, a maison de couture Yves Saint Laurent, situada desde a sua criação em 1961 na rue Spontini, se muda para um hôtel particulier no número 5 da avenue Marceau. Este endereço vivia de acordo com o ritmo das coleções. A maison abrigava o estúdio onde trabalhava Yves Saint Laurent com seis ou sete colaboradores, e os ateliês de couture onde as criações eram realizadas por cerca de 200 costureiros e costureiras. No piso térreo, nos salões, as clientes eram recebidas individualmente para encomendar os modelos que desejavam.

Em 7 de janeiro de 2002, Yves Saint Laurent anuncia, numa coletiva de imprensa, que ele encerrava ali a sua carreira e fecha a maison de couture. Dois anos mais tardes, depois de muitos trabalhos, a Fundation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent abre suas portas naquele mesmo endereço, abrigando o Musée Yves Saint Laurent Paris a partir de outubro de 2017.

No dia 1º de junho de 2008, Yves Saint Laurent morre em Paris, aos 71 anos. Seu velório foi organizado na Igreja Saint-Roche, contando com a presença de muitas personalidades políticas e culturais, como o então Presidente da República Francesa Nicolas Sarkozy. Foram instalados muitos telões na área externa para que todos os admiradores pudessem homenagear e se despedir deste grande ícone. Pierre Bergé fez um discurso emocionado sobre aquele que foi seu companheiro de vida por 50 anos.

 

 

Midi, o comprimento mais chique

Que me perdoem os curtos e os longos, mas o midi é o comprimento mais chique para os nossos looks! Se o tecido tiver um belo caimento, o visual sofisticado está garantido, mesmo que façamos escolhas simples e práticas! Quer ver?

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chapéu Parfois, t-shirt Zara, óculos Ray Ban, saia Forever 21, tênis Converse All Star (e mochila Fjällräven Kånken)

No último final de semana, fizemos uma road trip até Tbilisi, a capital da Geórgia. Mais do que aplicar os conceitos da mala inteligente, eu realmente não queria levar muita coisa pra um final de semana rapidinho de verão! Então advinha qual foi a peça chave que eu escolhi? Isso mesmo, uma saia midi!!

Essa saia midi azul marinho da Forever 21, que eu comprei há uns 3 anos, tem a cintura de elástico (= conforto!) e umas pregas bem suaves, que garantem o caimento perfeito do tricoline. E ela tem bolsos, que são sempre bem vindos em viagens!

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chapéu Parfois, óculos Ray Ban, t-shirt Alhma, bolsa Gucci, saia Forever 21, sandália Usaflex

Nessa outra foto, a mesma saia (e o mesmo chapéu) com outra t-shirt e outro sapato, num combo escolhido pra ficar super confortável no carro (a viagem entre Yerevan e Tbilisi dura cerca de 5h!!) e que ficou bastante adequado pra paradinha que fizemos no Lago Sevan.

 “Ah, mas midi é um comprimento ingrato! Nem todo mundo pode usar!”

Gentes, eu tenho 1,62m – ou seja, não sou exatamente alta! – e adoro usar saia midi! E minhas pernocas são bem roliças também. O comprimento midi definitivamente faz parte da minha vida, e se encaixa perfeitamente no meu estilo e no meu dia a dia. Para escolher o midi correto pra você, aqui estão algumas dicas interessantes, que independem do seu tipo físico:

  • escolha um comprimento que fique ligeiramente acima da metade da sua panturrilha;
  • opte por um tecido leve e com caimento perfeito, que não adicionará muito peso ao seu look. Nesse caso, é melhor evitar malhas! As malhas costumam ser mais pesadas e marcar tudo o que (geralmente) queremos esconder;
  • marque a sua cintura! Mesmo se você pensar que não tem uma cintura, ela existe, e está só esperando ser descoberta;
  • e escolha uma silhueta A, que costuma ficar bem em todo mundo e cria uma silhueta perfeita com muita elegância.

Ao escolher uma saia ou um vestido midi, você garante uma certa elegância sem precisar de muito esforço. O comprimento midi chama a atenção positivamente, mesmo sem muitos acessórios! É como se fosse um atalho para um look chique!

Musée des Arts Décoratifs: Margiela, les années Hermès

Como parte da programação do curso Paris Style Week, visitamos a exposição Margiela, les annés Hermès, em exibição no Musée des Arts Décoratifs até o dia 22 de setembro de 2018. Esta exposição celebra os anos em que Martin Margiela esteve à frente de uma das principais maisons francesas no escopo da “Saison Margiela 2018 à Paris“!

Entre 1997 e 2003, Margiela comandou a direção criativa da Hermès, e esta homenagem apresenta, pela primeira vez na França, as coleções femininas de prêt-à-porter que o estilista desenhou para a célebre maison parisiense, sem perder a identidade das criações da sua própria maison. Entre a desconstrução inovadora e o luxo atemporal, as silhuetas dialogam entre si, expressando e dando voz à visão particular de Martin Margiela. Estes dois universos, muito próprios desse designer, constituem o ponto de partida da exposição, cuja direção artística é do próprio Margiela.

Considerado um dos criadores mais atípicos e misteriosos da sua geração, Martin Margiela faz parte do seleto grupo de estilistas que radicalizou e renovou bruscamente o universo da moda. Depois de fundar sua própria marca, a Maison Martin Margiela, em 1988, ele decidiu, desde o início, que faria do anonimato uma das suas características essenciais, recusando o aparecimento do seu nome nas suas criações, adotando a etiqueta branca costurada nos quatro cantos como sua marca registrada. O famoso “blanc de Meudon” é escolhido como assinatura dos seus desfiles. Desde o início, Margiela desenvolve um trabalho contra a corrente da época da logomania e da padronização, e se destaca em seu meio. Ele surpreende com seus cortes construídos-desconstruídos, suas silhuetas oversize, seus materiais reciclados, ou mesmo os tecidos monocromáticos, que destacam o aspecto artesanal das suas criações.

Foi em outubro de 1997 que Jean-Louis Dumas, então presidente e diretor artístico da Hermès, convidou Martin Margiela a desenhar as coleções de prêt-à-porter femininas, quando este já era considerado, depois de quase uma década, como uma das figuras vanguardistas mais influentes. Era uma escolha audaciosa, que rompia com as tendências do universo da moda de escolher estilistas estrelados. A maison Hermès tem, então, um fator surpresa ao convidar este criador iconoclasta que ninguém (ou quase ninguém) conhece o rosto, e que dispensa os holofotes e o mundo do entretenimento.

Entre 1997 e 2003, acompanhado da expertise do estúdio e dos ateliês da maison Hermès, da qual compartilhava seus valores, Martin Margiela instaura, por meio de 12 coleções consecutivas, uma visão coerente e profunda de um luxo contemporâneo. Conforto, atemporalidade, sensualidade e autenticidade são as palavras-chave para definir a visão de Margiela da mulher Hermès, associada a um estilo apurado. A nova paleta de cores sóbrias e monocromáticas que ele apresenta estão alinhadas ao universo colorido das estampas da Hermès, suscitando a surpresa da imprensa.

Desde a entrada da exposição, o visitante descobre dois estilos distintos que propõem um diálogo apaixonado entre as roupas que Margiela criou para a Hermès e aquelas que ele criou para sua própria Maison. O conjunto se desenvolve com uma sucessão de sequências temáticas de mais de 100 silhuetas, de fotos e de vídeos num percurso que alterna entre o laranja inconfundível da maison Hermès e o branco da Maison Martin Margiela.

Desse modo, o visitante aprende um pouco do processo criativo que navega sem confusão entre as duas maisons e de cada um dos seus códigos. É a primeira vez que o Musée des Arts Décoratifs se dedica a destacar um ícone da história da moda, com um criador que se desdobra entre as colaborações para as outras Maisons e a sua própria.

Conceitual e subversivo, Martin Margiela revolucionou totalmente o sistema da moda no fim dos anos 1980, e suas criações continuam sendo importantes impressões no universo da moda contemporânea, com uma silhueta vanguardista pautada na desconstrução, a reciclagem e recuperação de materiais. Margiela introduz na Hermès um esboço de cortes e colores com base nos materiais excepcionais da selaria parisiense, e integra numerosas inovações.

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A exposição no Musée des Arts Décoratifs homenageia esta figura única da moda, celebrando o estilista em comunhão com a retrospectiva “Margiela/Galliera, 1989-2009” e, até o dia 15 de julho, é possível comprar o 2º bilhete com tarifa reduzida na apresentação do bilhete da outra exposição. O bilhete integral (plein tarif) para o Musée des Arts Décoratifs custa €11, e o museu está aberto de terças a domingos das 11h às 18h (a bilheteria fecha às 17h15), e às quintas-feiras fica aberto até as 21h (a bilheteria fecha às 20h15).

Palais Galliera: Margiela 1989/2009

Dei uma sumidinha por aqui, mas quem me acompanha no instagram sabe bem o porquê: estava em Paris, aprendendo a cidade com um novo olhar sob a tutoria de Dione Occhipinti e Valeria Doustaly, as professoras que criaram e organizam, desde 2014, o Paris Style Week!

Um dos pontos altos da nossa programação foi a visita ao Palais Galliera para ver a exposição “Margiela 1989/2009“, que fica aberta ao público até o dia 15 de julho de 2018. Esta exibição, a primeira que faz uma retrospectiva em Paris em homenagem ao designer belga Martin Margiela, registra a carreira de um designer que não só questionou a estrutura das roupas mas também desafiou as estruturas do sistema fashion nas suas coleções. Com mais de 130 silhuetas, vídeos dos desfiles, arquivos da maison e instalações especiais, a exibição oferece um olhar sem precedentes sobre um dos mais influentes designers contemporâneos.

Martin Margiela se formou no departamento de moda da Royal Academy of Fine Arts da Antuérpia, em 1980. Depois de passar um tempo como assistente de Jean Paul Gaultier, entre 1984 e 1987, ele passou a ser uma das referências da chamada “Antwerp School” e se tornou o único designer belga da sua geração a fundar sua própria maison em Paris. A abordagem conceitual de Margiela desafiou a estética de moda da sua época. O seu jeito de construir as roupas envolvia a desconstrução, exposição dos interiores, dos forros, e das partes inacabadas, revelando diferentes estágios da manufatura, como pregas, ombreiras, estampas, entre outros.

Margiela desafiou ao extremo a escala das roupas, aumentando as proporções em 200% na sua “Oversize Collection” (Margiela pode ser considerado o pai do oversized como conhecemos hoje), ou adaptando roupas de bonecas para medidas humanas reais na “Barbie Collection“. Ele estampou fotos trompe-l’oeil (ilusão de imagem) em vestidos, suéteres e casacos, e criou um novo tipo de sapato inspirado nos tradicionais tabis japoneses, separando o dedão do pé dos outros dedos. O estilista questionou a obsolescência das roupas com sua “Artisanal Collection“, criando uma coleção artesanal a partir de roupas vintages e materiais recuperados que foram transformados em peças únicas, feitas à mão. Por sua vez, na coleção “Replica“, diversas roupas vintages recuperadas de todas as partes do mundo foram reproduzidas de maneira idêntica.

Margiela continua sendo um criador sem rosto, o homem que não dá entrevistas, e cujas roupas são vendidas com uma etiqueta branca e sem nome da marca. Esse homem que celebra o anonimato é famoso não só pelo uso do branco, uma cor que ele aproveita em diversos tons, mas também pelos seus desfiles em lugares pouco comuns, como estacionamentos, depósitos, estações de metrô, etc.

O ingresso para a exposição custa €10, que fica aberta de terça a domingo, entre 10h e 18h, e excepcionalmente até 21h às quintas. O Palais Galliera fica na 10 Avenue Pierre Ier de Serbie em Paris. A bilheteria fecha 45min antes do encerramento diário. O museu fica fechado às segundas feiras e estará fechado no dia 01 de maio.

Mala Inteligente = viagem feliz

Foi-se o tempo em que viajar com uma mala grande, lotada de roupas e sapatos, foi sinônimo de segurança. Eu mesma já perdi a conta de quantas vezes voltei pra casa com várias peças de roupa que sequer saíram da mala durante uma viagem, e não existe nada pior do que ter peso morto em viagem.

E o que é um peso morto numa viagem? É tudo aquilo que a gente carrega sem necessidade, que usa uma única vez ou acaba nem mesmo usando, que toma espaço desnecessário dentro da mala e que aumenta o peso inoportunamente.

Pensa aqui comigo: você vai fazer aquele sonhado tour pela Europa nas suas férias, viajando de trem entre uma capital e outra. Enquanto carrega sua mala de um lado pro outro, tomando metrô, subindo escada, o peso parece que vai ficando insuportável, e você começa a listar mentalmente todas as coisas que estão ali dentro, até que se lembra daquela peça extra que você colocou na mala “para o caso de uma necessidade” (pode ser uma calça jeans a mais, uma saia, uma t-shirt, etc). Você vai desejar com todas as suas forças que pudesse voltar no tempo e não colocar aquela peça ali, só pra aliviar o peso que está carregando. Acredite, eu já passei por isso. O mesmo acontece na hora de pegar um vôo e ver que a balança acusou excesso de peso na bagagem; e lá vamos nós pagar taxas exorbitantes cobradas pelas companhias aéreas.

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mala inteligente: planejamento é tudo!

É por isso que eu sou uma veemente defensora da mala inteligente, e tenho tentado diminuir, a cada viagem, o número de coisas que vão pra minha mala e pra mala do marido. O planejamento é uma parte fundamental pra que tudo dê certo: nas nossas últimas férias, eu sabia que ia comprar roupas de inverno (inclusive roupas e meias térmicas), então eu saí de casa com menos de 10 peças, contando a roupa do corpo. Se eu ia comprar até meia, eu não levaria nada que pudesse se tornar um peso morto!

Quanto menos coisas a gente leva, menor a confusão na hora de se vestir, e também na hora de trocar de hotel, se este for o caso (como, por exemplo, no cenário do tour europeu que eu falei ali em cima). É claro que, pra mala inteligente funcionar, é preciso fazer um exercício na hora de organizar a mala, pensando muito bem nas peças escolhidas para que elas combinem entre si e possam ser usadas de maneiras diferentes. No(s) destino(s), pode ser que seja preciso lavar as roupas, dependendo do tempo de viagem em questão.

Para que a mala inteligente dê certo, é importante acertar não só na quantidade de peças mas também na proporção: mais partes de cima do que de baixo. Além disso, ao escolher um grupo de cores coeso, tudo vai combinar com tudo (acredite, é mais fácil do que parece). E eu também sugeriria olhar essa listinha com ideias para uma manutenção bem fácil das suas roupas on the go, elaborada segundo as minhas últimas experiências viajando com menos coisas – e, consequentemente, sendo mais feliz por carregar menos peso de um lado pro outro.

LAVAR A ROUPA NO CHUVEIRO

Essa é a mais básica de todas as dicas: sujou? Então já entra no chuveiro de roupa e tudo. Durante o banho, ensaboa a roupa pra soltar qualquer sujeira ou cheirinho, e, depois de tirar, esfrega rapidinho o que for preciso, e enxágua. Se você achar que aquela peça precisa de um amaciante, é só usar um pouquinho do seu condicionador! Depois que acabar o seu banho, tire o excesso de água (mas cuidado: torcer é ruim pra qualquer roupa! Geralmente eu vou apertando as peças cuidadosamente pra tirar esse excesso de água), pendura num cabide e deixa ventilar. Até em casa eu gosto de deixar as roupas secarem no cabide, porque aí elas já secam esticadas, e evita em 95% dos casos o uso do ferro de passar. Se der pra improvisar um varal no próprio banheiro, melhor ainda. Tudo isso vale também principalmente para as roupas íntimas.

LAVAR SÓ A ÁREA ONDE SUJOU

Caiu um tiquinho de molho na blusa/calça, ou só o cós da calça/short/macacão e/ou o sovaquinho da blusa/vestido estão precisando de uma refrescada? Lava só aquela área na pia do banheiro: vai ser mais rápido pra lavar e pra secar. Aliás, use o secador de cabelo pra secar a área molhada: secar uma peça encharcada com o secador demoraria uma eternidade, mas, nesse caso, vai levar apenas alguns minutinhos. Essa dica de lavar só uma área pequena da roupa pode ser um pouco mais difícil se a peça for delicada e/ou colorida. O que me leva para a próxima dica…

USE OS SERVIÇOS DE LAVANDERIA DO HOTEL

Se uma peça é delicada, ou se você está com medo de estragar, não tema: use os serviços de lavanderia do hotel. Em geral, são bem menos caros do que a gente pensa, e os hotéis costumam entregar tudo limpinho e passadinho em 24h.

ESCOLHA UM HOTEL COM LAVANDERIA

Essa também faz parte do planejamento: quando estiver escolhendo sua hospedagem, tente optar por um hotel que ofereça lavanderia para os hóspedes (Guest Laundry). Isso é principalmente comum nos EUA, mas já vi em alguns hotéis pela Europa também. Geralmente, as lavanderias para uso dos hóspedes contam com lavadora e secadora de roupas, e algumas já disponibilizam sabão e amaciante.

DESCUBRA QUAL A LAVANDERIA MAIS PRÓXIMA 

Você se hospedou em um lugar onde não tem lavanderia para hóspedes, ou mesmo está hospedado na casa de um amigo/parente (pedir pra lavar roupa na casa dos outros é uma tremenda deselegância): pega o Google Maps e já faz a busca pela lavanderia (launderette) mais próxima. Nas nossas andanças, eu e o marido já gastamos o equivalente a menos de R$20 pra lavar e secar 2 máquinas de roupa. Acredite: vale muito mais a pena pagar pra lavar a roupa e separar umas horinhas da programação de férias pra essa atividade do que carregar malas abarrotadas.

MAIS BLUSAS, CAMISAS E/OU CAMISETAS

Se o destino é frio, ou tem temperatura amena, levar camisetas extras para fazer sobreposições ou mesmo usar como segunda-pele vai fazer render qualquer peça que vá por cima. Se o destino for calorento, partes de cima ocupam menos espaço na mala e são mais leves do que partes de baixo.

ESTRUTURE AS OCASIÕES

Saber a programação da viagem, nem que seja mais ou menos, permite organizar uma estrutura para o uso de roupas. Por exemplo: uma única blusa pode ser, primeiro, usada num jantar mais arrumado ou numa ida ao teatro e, depois, usada de dia, pra passear. Se o seu destino for de praia ou incluir uma piscininha, a mesma blusa pode ter um terceiro uso: complemento de praia/piscina.

 

COISAS QUE EU AINDA NÃO TESTEI, JÁ LI SOBRE E QUE PARECEM FUNCIONAR

LEVE UM MINI-STEAMER

Acho que isso é válido principalmente para uma viagem de negócios: o steamer (ferro de passar roupas à vapor) vai deixar sempre sua roupa impecável e cheirosa, e hoje em dia existem vários pequenininhos, próprios pra carregar em viagens. O steamer não só alisa a roupa, mas também higieniza a peça, o que colabora com a sensação de frescor.

DESODORANTE DE ROUPAS

Hoje em dia, existem desodorantes de roupas líquidos ou em folhas, como se fossem lenços umedecidos. Isso pode ser uma boa alternativa para multiplicar o uso das roupas durante as viagens, antes de precisar lavá-las de fato. No caso do líquido, o ideal seria colocar uma quantidade num borrifador – e, caso viaje só com mala de mão, lembre-se sempre de prestar atenção ao limite de 100ml.

 

DICA COMPLEMENTAR

LEVE UMA ROUPA EXTRA

Sim, eu sei que eu falei lá em cima sobre como é horrível carregar peso morto e como é importante evitar carregar o que não é absolutamente necessário. Mas, se tem uma coisa que as minhas viagens me ensinaram, é que a gente nunca sabe o que pode rolar, por mais que a programação esteja bem definida. E, no fim das contas, uma mala inteligente também significa precaver-se para enfrentar qualquer situação com o melhor look possível. Mesmo que eu não tenha nada programado nesse sentido, eu não deixo de levar uma roupa mais arrumada (seja um vestido, ou uma blusa mais elegante), pro caso de uma ocasião importante e inesperada surgir. Numa viagem de inverno, acho importante levar sempre uma roupa de banho (biquíni/maiô/sunga): vai que o hotel tem uma piscina interna ou uma jacuzzi pra aproveitar? E, claro, numa viagem de verão, não abra mão de um casaquinho leve e uma calça comprida (pense em jeans, linho, tencel…): vai que a temperatura cai, ou tem um destino mais frio no meio do caminho? Quem faz uma mala inteligente, está sempre prevenido para tudo!

Moda X Estilo? Estilo + Moda!

Tenho recebido alguns pedidos por email/inbox/direct/etc para fazer uma lista de coisas a serem evitadas na hora de fazer compras, ou até mesmo abordar questões muito específicas que dependem do tipo de vida de cada um (por exemplo, o que serve para uma pessoa que trabalha em home office certamente não vai servir para quem trabalha em um ambiente corporativo altamente formal; ou o que serve para uma mãe e/ou uma gestante pode não dar certo para todas; etc).

Como eu sempre tento destacar, o trabalho de um personal stylist é muito pessoal – tá no nome! – e fica difícil ditar regras gerais do que evitar ou o que adotar. O armário vai variar de acordo com cada tipo físico, cartela de cores e, principalmente, rotina e gostos pessoais. É por isso que, antes de qualquer consultoria, o ideal é que haja interação entre o personal stylist e o cliente, seja apenas por meio dos formulários que o profissional enviará para que sejam preenchidos, seja para um café, seja por uma amizade estabelecida há anos. É muito importante que o cliente saiba exatamente quem é o profissional que está contratando e qual a metodologia usada.

O personal stylist bem treinado não vai dizer o que você tem que fazer e nem deixará que o gosto pessoal interfira na consultoria de imagem e estilo: o papel do profissional é apresentar quais são as melhores opções disponíveis para que você seja sempre a sua melhor versão, de acordo com a sua personalidade, seus gostos pessoais e seu estilo de vida, mas quem vai fazer a escolha final do que entra ou não entra na sua vida será sempre você.

“A roupa veste, a moda comunica e o estilo personifica.” – Alice Ferraz

Tem gente que tem medo da moda, e acaba perdendo uma parte muito divertida do processo de descoberta do seu estilo pessoal: identificar, entre as muitas tendências ofertadas nas passarelas e que chegam até as fast fashions, o que se adequa ao seu estilo e o que é melhor deixar de fora da sua vida.

Não existe uma guerra entre moda e estilo: ao contrário, a moda deve complementar o estilo harmonicamente, pra que você possa se sentir mais confiante e se divertir quando está se vestindo. Seu estilo será a manifestação visual da sua personalidade, enquanto a moda deverá ser usada, a seu favor, com itens sazonais que darão um frescor ao seu armário, respeitando o seu estilo.

A moda poderá acrescentar ao seu estilo, mas o seu estilo é resultado de um treino diário, em que a sua personalidade se manifesta na imagem que o mundo vê. É neste quesito que o consultor de imagem pode ajudar muito: por conta da experiência, este profissional está capacitado para instruir o cliente, de um modo divertido e funcional, como expressar a sua personalidade através das suas roupas.

Uma vez que você estiver confortável com o seu estilo, saberá vestir-se com mais segurança, confiará mais nas suas escolhas, tendo a certeza de que tudo o que está no seu armário está de acordo com a sua própria personalidade e humor. Seu estilo ficará claro nas suas roupas de trabalho, nas suas roupas de festa, e até mesmo nas roupas que você usa pra ficar em casa.

Ao invés de ter um armário cheio de roupas das quais você não gosta e falar constantemente a célebre frase “não tenho nada pra vestir”, você terá um armário que verdadeiramente reflete quem você é, com peças que você ama e que contribuem pra sua autoestima ficar sempre lá em cima. Outro dia, uma cliente me perguntou sobre o que eu achava de ter muitas cores de uma mesma peça; na minha resposta sincera, disse pra ela que, se é uma peça que você realmente ama e usa muito, com uma modelagem incrível, com um tecido de qualidade, e que de fato usa todas as cores disponíveis, não tem o menor problema: é uma manifestação legítima do quão segura esta pessoa é sobre os seus gostos, preferências e estilo. É claro que um armário cheio de peças repetidas tem sua versatilidade reduzida, e eu não recomendaria isso numa fase inicial de definição do seu estilo, como no closet cleaning e na consultoria de imagem e estilo.

A definição do seu estilo ajudará a comprar menos e menor, peneirando as ofertas da moda e adotando somente o que verdadeiramente complementa o seu estilo.

Carnaval 2018: Baile da Vogue

Acordei hoje e o Baile da Vogue 2018 ainda estava rolando! A diferença de +6 horas no fuso horário entre Brasil e Armênia tem dessas coisas: tomei meu café da manhã acompanhando os stories em tempo real e já fui elegendo as minhas fantasias favoritas – e as minhas não tão favoritas também.

O tema do Baile da Vogue 2018 foi “Divino Maravilhoso“, uma celebração do Brasil, das nossas tradições e da nossa cultura. A minha cabeça musical já associa o tema à Gal Costa, Secos e Molhados, Ney Matogrosso, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Os Mutantes. Vamos aos looks?

Baile da Vogue 2018 - Valesca Popozuda

Valesca, essa maravilhosa, eu não esperava nada diferente dela! A fantasia não só é super adequada ao tema, ao celebrar a fauna brasileira, mas também combina muito com a personalidade dela!

Baile da Vogue 2018 - Patrícia Poeta

Patrícia Poeta também celebrou a fauna brasileira num vestido justíssimo e muito elegante. A interpretação dela do tema me pareceu muito condizente com a figura de jornalista/apresentadora/mãe, sensualizando mas sem exageros. Amei o conjunto da obra.

Baile da Vogue 2018 - Dudu Bertholini

Dudu Bertholini de Elke Maravilha é, pra mim, um dos grandes destaques da noite. Os anéis de sol e lua de Elke deram aquele toque pessoal sensacional à fantasia. Elke é patrimônio nacional e a homenagem é mais do que justa.

Baile da Vogue 2018 - Ticiane Pinheiro

Tici Pinheiro foi de brigadeiro! Achei justo: se tem uma coisa do Brasil que é divino and maravilhoso é brigadeiro! E, em todas as fotos/vídeos que eu vi, ela parecia estar mesmo se divertindo, aproveitando cada segundo. Me senti representada: falou em comida, principalmente comida tradicional brasileira, eu já tô celebrando o patrimônio nacional!!

Baile da Vogue 2018 - Débora Nascimento

A gravidíssima Débora Nascimento compareceu representando Oxum, orixá feminino das águas doces, rios, cachoeiras, da riqueza, amor e prosperidade. Achei a fantasia chique, porém tem algo na maquiagem dela que me incomoda – possívelmente a sombra. Em todas as fotos que vi, ela me pareceu pálida, sem o brilho característico da gravidez. Uma pena, porque ela é linda demais!

Baile da Vogue 2018 - Marina Ruy Barbosa

Uma das rainhas do Baile da Vogue, Marina Ruy Barbosa também optou pelo look chique, e a referência lúdica ao tema ficou por conta do cocar adereço da cabeça. Andei lendo por aí que a fantasia era de arara azul, mas achei confuso! Eu adoro a Marina Ruy Barbosa, acho que ela acerta muito nas produções, mas tem algo nesse longo que me pareceu errado – talvez a cor? Se esse vestido fosse de uma cor quente (pensei em vermelho, laranja, dourado), acho que ficaria mais exuberante.

Baile da Vogue 2018 - Thássia Naves

Agora, falando em acertar nas produções, Thássia Naves está sempre de parabéns: ela não erra uma! Chegou no Baile fantasiada de Maria Bonita, e é provavelmente a minha fantasia favorita da noite. Não sei se eu amo mais o “chapéu” ou o cantil; talvez ame os dois igualmente. A fantasia de cangaceira está adequada ao tema, e a sensualidade velada deixou o conjunto da obra ainda mais elegante; a maquiagem tá com cara de saúde, e ela tá brilhando. Eu reciclaria essa fantasia numa boa então, Thássia, pode mandar aqui pra Armênia que eu aceito! Hihihi!

Baile da Vogue 2018 - Lari Duarte

Achei a fantasia da Lari Duarte apenas deslumbrante. A inspiração em Tarsila do Amaral e esse tanto de folhagens verdes resultaram numa fantasia elegantíssima, que também dá pra ver que é muito condizente com o estilo dela. Roupas com transparências de tule me incomodam 98% do tempo, mas não foi o caso nesse vestido: tá tudo em harmonia, e extremamente elegante.

Baile da Vogue 2018 - Helena Bordon

Falando em elegância e fantasia deslumbrante, Helena Bordon sempre incorpora esses adjetivos, e neste ano não foi diferente: a fantasia de arara azul ficou espetacular. Exaltou a fauna brasileira da maneira mais elegante possível, e esse tom de azul é maravilhoso pra ela.

Baile da Vogue 2018 - Lu Tranchesi

Lu Tranchesi acertou muito na fantasia de Jaci (a deusa da Lua na mitologia Tupi),  que cria a ilusão de uma pintura corporal Tupi. Tá linda, tá chique, e ela mesma contou que se fantasiou de índia muitas e muitas vezes na infância: ou seja, tem memória afetiva envolvida, e isso certamente deixa tudo mais especial.

Baile da Vogue 2018 - Camila Coutinho

Essa fantasia da Camila Coutinho me deu preguiça, e pareceu que ela também teve preguiça ao pensar no look carnavalesco. A justificativa é o sincretismo religioso e a fé brasileira, mas pra mim foi mais uma vontade de sensualizar ao extremo do que seguir o tema e/ou fantasiar-se. Talvez se trocasse a capa por uma saia armada, ainda que desta mesma renda transparente, eu conseguiria ver uma baiana carnavalesca, que também tem essa tradição de sincretismo religioso, e ficaria menos incomodada.

Baile da Vogue 2018 - Julia Faria

Julia Faria escolheu homenagear a Timbalada, e eu gostei bastante: tá adequada ao tema e ainda faz referência à Bahia que ela tanto ama.

Baile da Vogue 2018 - Rafaella Brites e Felipe Andreoli

Rafa Brites, acompanhada do marido Felipe Andreoli, também foi de cangaceira. Essa fantasia de cangaceira tá bem mais roots do que a da Thássia, e não menos bela. Tem sensualidade na medida certa, e tá bem elegante. E ela, que é super gente como a gente, disse que prefere abraçar as coisas deliciosas da vida do que vestir tamanho 36. Maravilhosa!

Baile da Vogue 2018 - Thaila Ayala e Renato Góes

Mas no quesito casal, não tem pra ninguém: Thaila Ayala e Renato Góes arrasaram como Rita Lee e Sergio Dias! A referência aos Mutantes foi um tiro certo, eles ficaram extremamente elegantes e eu adoro quando os homens entram no clima e também vão além do smoking. Thaila ainda teve o bônus da franjinha, que cortou recentemente para interpretar uma Letícia no cinema (franja é tão Letícia, gente hihihi), e que é uma marca registrada da Rita Lee. Esses aí tão mesmo divinos e maravilhosos, exaltando uma das maiores parcerias do rock nacional, meus parabéns.

Baile da Vogue 2018 - Sabrina Sato

E é claro que eu tinha que deixar o melhor para o final: ela, Sabrina Sato, fantasiada de Miss Amazonas, é uma visão deslumbrante. Essa fantasia poderia facilmente ser um dos seus trajes como rainha de bateria: está luxosa, sexy, exuberante. Eu confesso que tenho um girl crush na Sabrina desde que a vi sambando pela Sapucaí pela primeira vez, lá nos idos de 2012, principalmente porque ela ama mesmo o carnaval e nunca decepciona nas fantasias, na alegria e no rebolado. Ela veste mesmo a fantasia que escolhe, brilha muito, bota o corpão pra jogo, e deixa todo mundo no chinelo. É como eu sempre digo: Sabrina é rainha, o resto é princesinha.

O Baile da Vogue 2018 contou com um super buffet com diversas comidas tradicionais brasileiras, e eu confesso que fiquei babando, morrendo de saudade de um torresminho, uma goiabada, uma bolinha de queijo, uma coxinha, um pão de queijo e, principalmente, de uma água de côco!